Förlåt Justin Timberlake-fans, ’Wonder Wheel’ kom inte med på den här listan.
Även om Netflix kan vara det mest framträdande namnet i originalströmmande filmer i det moderna popkulturlandskapet, har Amazon Studios också lyckats lämna ett imponerande fotavtryck när det kommer till sina bidrag till film. Medan de senaste åren har sett Amazon Studios utöka sin produktion till att inkludera mer mainstream-vänliga priser som Morgondagens krighar de flesta Amazon-filmer varit utmanande arthouse-pris från artister från Todd Haynes till Richard Linklater till Asghar Farhadi.
Att gå den här vägen innebär att Amazon inte alltid har levererat filmer med många sedda filmer som en viss Borat Efterföljande filmfilm, men det har redan resulterat i ett imponerande bibliotek av funktioner som tänjer på gränserna för filmiskt berättande lika ofta som de utmanar människorna som tittar på dem. De elva bästa Amazon Studios-släppen, rankade från ”sämsta” till bäst nedan, exemplifierar den unika kreativa energin i denna streamers produktion som gör dem olik någon annan större plattform i de pågående streamingkrigen. Detta var uppenbart från början, sett av Amazons inledande originalfilm och den första titeln på denna lista …
11. Chi-Raq
Är Spike Lees 2015 film Chi-Raq (den första Amazon Studios-släppet någonsin) rörigt? Säkert. Men det är också ett djupt engagerat arbete fullspäckat med ambition, med utgångspunkt från det faktum att all dialog berättas i ett rimschema. Det är ett djärvt val, emblematiskt för de enorma svängningar Lee tar i detta projekt, som utstrålar frustration över samhällets pågående elände som negativt påverkar USA:s svarta befolkning. Den antika berättelsen om Lysistrata visar sig vara en bra grund för att fixera en avgjort modern Spike Lee-film kring. Produktionen förstärks ytterligare av en stjärnbildande lead turn från Teyonah Parris, som fyller upp skärmen med konsekvent engagerande karisma. Vårtor, som en konstig stödjande sväng från John Cusackoch allt, Chi-Raq förkroppsligar den lustkänsla som gör Spike Lee till en så fascinerande filmskapare.
10. One Child Nation
För dokumentären One Child Nation, Nanfu Wang (som leder projektet tillsammans med Jialing Zhang) tar itu med Kinas tidigare policy att begränsa familjer till bara ett barn. Detta innebär att man återvänder till sitt hemland Kina, där Wang, som nu själv är mamma, konfronterar och krönikar människor som direkt påverkades av ettbarnspolitiken. Dessa individer sträcker sig från människor som förlorade barn till människor som hemsökts av hur de hade i uppdrag att (och avrättade) att ta bort och överge barn. Det finns en djupt sårbar och personlig egenskap till Wangs närvaro i One Child Nation, vilket sträcker sig till hur hon minns att hon brukade blint stödja denna politik och de ledare som antog den. Propagandan som en gång formade Wangs uppfattning om hennes hemland sopar nu, i den moderna världen, de hemska efterverkningarna av denna ettbarnspolitik under mattan. Den utmärkt gjorda filmen One Child Nation belyser dessa liv och svårigheter, samt drar en fascinerande parallell mellan Kinas ettbarnspolitik och USA:s begränsningar av abort som varnar västerländska tittare om att begränsningar av kvinnors autonomi inte bara finns i Kina.
9. Mästare
En film som var en av de mest svårfångade men ändå fängslande som kommit från den senaste Sundance-filmfestivalen, Bemästra är en fasa över de systematiska hatkrafter som finns kvar i akademiska institutioner. Det kretsar kring ett fascinerande Regina Hall som Gail Bishop, en professor vid ett elituniversitet i Northeastern University som börjar observera att det finns olycksbådande krafter som hotar att förtära henne och en ny student vid namn Jasmine (Zoe Renee). Genom allt, författare-regissör Mariama Diallo skapar en märklig och skiftande berättarupplevelse som är svår att sätta fingret på. Från scen till scen får du gissa om vad som är betydelsefullt och vilket öde som kommer att drabba karaktärerna du har vuxit att ta hand om. Det är en smärtsam, dyster film som kan vara ganska oroande men är mästerlig eftersom den bygger upp till en poetisk slutscen som fångar din själ. – Chase Hutchinson
8. Kalla kriget
Direktör Pawel Pawlikowskis Oscarnominerad film för bästa regissör Kalla kriget undersöker viktiga europeiska händelser som ägde rum i efterdyningarna av andra världskriget men utforskar dessa omständigheter genom ett pars lins. Omfattningen av berättelsen (som utspelar sig under 15 år) är vidsträckt men genom att hålla saker grundade på bara tvås svåra situation, förlorar Pawlikowski aldrig det intima ur sikte. Den genomgripande upprörande tonen kommer inte att vara för alla tittare, utan de som kan hantera den dystra atmosfären av kalla kriget kommer att hitta något speciellt, särskilt med projektets film. Att filtrera den här berättelsen genom ett bildförhållande på 1,37:1 skapar ett begränsat utrymme som informerar de mest inspirerade bilderna från Pawlikowski och filmfotograf Lukasz Zal. Det finns så många bilder här som du inte kommer att kunna glömma och detsamma kan sägas om kalla krigets hemska ton som helhet.
7. De stora sjuka
En komiker född i Pakistan, Kumail Nanjiani spelar en fiktiv version av sig själv och en student Emily (Zoe Kazan) träffas, blir kär och sedan hamnar hon på sjukhuset i koma. Baserad på Nanjiani och det verkliga Emily V. Gordons romantik och traumatiska sjukhusvistelse ger den här filmen ett helt nytt perspektiv på romantiska komedier. Den stora sjuken var en uppfriskande förändring i genren med en sydasiatisk romantisk huvudroll och en titt på interkulturella romanser. Det är en rolig film, trots händelsernas mörka vändning, och otroligt rörande när de människor som en gång var så villiga att slåss mot varandra, hittar nya sätt att knyta an till varandra. Berättelsens semi-självbiografiska karaktär ger filmen en hel del autenticitet, samtidigt som de utsmyckade berättelseögonblicken håller oss fasta. Denna virvelvindsromantik är en virvelvindsresa du inte vill missa. – Monita Mohan
6. Sound of Metal
Som alla som har sett projekt så varierande som Fyra lejon och Nightcrawler kan intyga, Riz Ahmed har levererat minnesvärda filmprestationer under i princip hela sin karriär. Men det tog Sound of Metal att ge honom lite välförtjänt Oscarskärlek. Den här historien om en trummis som börjar bli döv använde både Ahmeds gåvor som artist och mästerligt ljudverk för att placera publiken rakt in i huvudpersonens headspace. När denna utveckling har introducerats, Sound of Metal går till oväntade platser narrativt, särskilt när det skildras hur Ahmeds karaktärs beroende manifesterar sig i hans nya status quo. Sound of Metal görs desto mer minnesvärd av en enastående stödsväng från Paul Raci, vars slutscen är outsägligt hjärtskärande. En berättelse om att hantera livets oundvikliga genomgripande förändringar, Sound of Metal är ett fantastiskt inslag såväl som ett anmärkningsvärt skyltfönster för Riz Ahmed som skådespelare.
5. Tid
Varje sekund är viktig. Det är en fras som dröjer kvar i sinnet Sibil Fox Richardson när hon jobbar dag och natt för att få sin man, Rob, ur ett 60-årigt fängelse. Däremellan ser du bilder på Sibil som arbetar plikttroget för att utföra detta uppdrag, regissör Garrett Bradley fyller skärmen med hemvideofilmer där Rob leker med sina barn, är uppmärksam på Sibil och bara är en normal person. Dokumentären Time är ett livsviktigt arbete som återställer mänskligheten till människan som Amerikas fängelseindustrikomplex reducerar till att bara vara kroppar i celler. Styckets råa känsla och den noggranna regin från Bradley gör detta till ett projekt lika viktigt som det är rikt fängslande.
4. Paterson
Jim Jarmuschs avslappnade stil av filmskapande är i sällsynt form här för att fånga vardagen för en busschaufför i New Jersey. Paterson introducerar gradvis en mängd olika underhållande människor (och en bedårande bulldog) för tittaren, allt berättat genom ögonen på Adam förares titulära huvudkaraktär. Kom för Jarmuschs signaturmärke av avslappnad observationsregi, stanna kvar för Drivers omtänksamma prestation som antyder så mycket känslor genom dämpade repliker och kroppsspråk. Genom arbetet av konstnärer som dessa, Paterson blir ännu en Jarmusch-pärla som uppmanar tittaren att inse hur mycket värde det finns i vardagliga delar av rudimentär tillvaro.
3. En natt i Miami…
En natt i Miami… är Regina Kingregidebut, och hon kommer med detta Kemp Powers scen och manus till livet med en säker hand och en djup respekt för dessa verkliga personligheter. Filmen är en fiktiv skildring av ett verkligt, hemligt möte mellan boxningsmästaren Cassius Clay (Eli Goree) när han brottas med sin tro, ikonen Malcolm X (Kingsley Ben-Adir), singer-songwriter och skivproducent Sam Cooke (Leslie Odom Jr.), och stjärnan NFL running back Jim Brown (Aldis Hodge). Varje karaktär har sina egna demoner att ta itu med och de öppnar sig sakta för varandra. Det är strider när de diskuterar hur man ska vara de förebilder som det svarta samhället behöver istället för att bara vara framgångsrika utan att ge tillbaka till samhället. Rasismens inverkan på dessa inflytelserika figurer märks genom hela filmen. Det här är en djupt påverkande film som karaktäriserar dessa större figurer som människor först och legender senare. Trots att han blev skjuten i ett låst rum som frammanar pjäsen, One Night in Miami… känner sig inte kvävd av sitt ursprung som många andra scen-till-skärm-anpassningar gör. Upplösningen är otroligt hjärtskärande och rörande. Med outplånliga framträdanden av huvudrollerna och enastående regi, One Night in Miami… är en uppslukande, oförglömlig upplevelse. – Monita Mohan
2. Jag är inte din neger
Så passande att en av de stora amerikanska författarna, James Baldwinskulle få en liknande enastående dokumentär gjord om sitt liv. Jag är inte din neger använder ett ofullbordat manuskript av Baldwin som en språngbräda för utforskningar av relevanta ämnen kopplade till svarta amerikaners erfarenheter. Dessa inkluderar vem som får definieras som ”hjältar” i amerikansk film samt samhälleligt invanda krafter som håller svarta människor tyngda i samhället.
Berättare Samuel L. Jackson läser högt Baldwins ord och talar om dessa ämnen inte bara för att ge läsaren en uppskattning för den här mannens gåva med det skrivna ordet utan också för att se hur hans världsbild behövs mer akut än någonsin. Att göra en retrospektiv på Baldwins liv skulle ha varit tillräckligt för att bli en fantastisk dokumentär. Men direktör Raoul Peck går den extra milen med I Am Not Your Negro genom att blanda det förflutna och nuet för att illustrera Baldwins evigt relevanta natur.
1. Du var aldrig riktigt här
Lynne Ramsey har aldrig undgått att göra skakande resor in i skadade psyken genom mästerverk som Råttfångare eller Vi måste prata om Kevin. För Du var aldrig riktigt härRamsey tar detta tematiska motiv till fascinerande nya platser. I en överlägsen tonal balans kunde bara en filmskapare som denna försäkrade lyckas med, You Were Never Really Here är samtidigt den mörkaste filmen Ramseys någonsin gjort men också den enda som vågar sluta med ett svagt spår av hopp.
Innan den tonmässigt intrikata slutsatsen levererar Ramsey dock ett fängslande drama som, bland sina andra dygder, fungerar som en fascinerande dekonstruktion av typiska skadade manliga hjältehuvudpersoner genom karaktären Joe (Joaquin Phoenix). Hans splittrade interna psykologi illustreras genom fängslande film och redigering. Ingen didaktisk dialog behövs för att förmedla de typer av traumatiska fasor han återupplever varje dag. Samtidigt förblir Ramseys varumärkeskatalog som lämnar blodbad nästan helt utanför skärmen lika kraftfullt som någonsin. Vi bjuds på efterdyningarna av våldet i You Were Never Really Here, av någon täckt av blod snarare än en kula som tränger in i en mans huvud. Genom den här historien fortsätter Ramsey att trolla fram geniala sätt att visuellt betona inslagets fokus på människor som återhämtar sig från trauma.
Ett enormt konstverk från en av de bästa engelskspråkiga filmskaparna som arbetar idag, You Were Never Really Here är så bra att det låter dig önska att Joaquin Phoenix fick sin första Oscarsvinst för den här filmen!
